Elma Riza is a French-Tunisian multidisciplinary artist, performer and video artist.

She was born in Paris in 1986 and lives and works in Berlin since 2007. She studied at the Beaux-Arts Supérieurs de Nantes between 2005 and 2007 and then continued her studies at the Kunsthochschule Weißensee.
In 2012 she graduated with honors. Since then she has presented her work in exhibitions (2021 ReTramp Gallery Berlin, Kunstverein Ebersberg e. V // 2020 galerie weisser elefant Berlin (solo), Galerie Philomena + Vienna // 2019 La Boîte Tunis (solo), Milchhof Pavillon Berlin // 2018 Max Liebermann Haus Berlin, Kunstverein Neukölln // 2017 Kunsthaus Essen, Crows Nest Gallery London. ..), festivals/fairs (2019 Performance Art Festival Berlin // 2018 Foire internationale d’Art contemporain de Marseille // 2016 SPACE/TIME Festival Flutgraben Berlin).

Since 2014 she has been using Instant Composition as a working method, whether for her performances, videos or installations, with the idea of integrating the creative process into the work presented to the public.

In parallel to her solo work, she founded several research groups, including Les actionnaires, an interdisciplinary collective of visual artists working with Instant Composition and video. These research spaces feed both her personal work and the workshops she gives selectively from time to time.

Since 2020, she has been making documentaries about other artists and art projects under the name LayLay_IMAGES production.

My artistic practice revolves around the desire to create two- or three-dimensional images in which the notions of place (topos) in relation to the created space (imaginary) and the presence of the body (of the viewer or mine) propose an abstract and sensitive approach to fiction. A fiction of the created space, a landscape made of graphic elements, simple materials, in which the perception of the place/object is transformed. The wall, the ground, the rock, the forest, the objects become the supports of a visual intervention which invites the spectator to a concentration of his senses on the visible and the sensitive, created by the tension between the concrete and the abstract.

In search of this tension, I have been using a working method inspired by “instant composition” since 2014. This method leaves a lot of room for experimentation and involves a certain amount of risk, as some works only take their final form at the time of the opening.

To this end, I use different media such as video, photography, installation-performative or installation “in situ”. I use simple, manufactured or organic materials (tape, wire, chalk, acrylic paint, gravel, earth…) and I limit myself to one or two objects/materials per project, exploring their graphic, spatial and fictional possibilities.
I don’t make objects, but I compose images by assembling or juxtaposing them. I use an abstract language that emphasizes shapes and boundaries between material and space, and I try to make the invisible visible. To do this, I work with the notion of reduction, reduction to a material, a form, a color, a composition and a theme, on the one hand, and with the notion of limit, on the other.

“The limit is not where something stops, but, as the Greeks had observed, that from which something begins to be (being begins to be…). “
“Work and Place”, Anne Marie Charbonneaux and Nobert Hillaire, 2002.

The border that defines the space or the relation between two elements, between the interior and the exterior, between the familiar and the foreign, between the real and the imaginary.

Drawing in space. My interest in geometric form as a graphic element in my compositions first manifested itself in my interest in Bauhaus architecture and its derivatives. These perfect lines, these forms that create spaces for the gaze, a tangible balance, led me to my first use of a geometric form in dialogue with place and body in the sequence “Un visible” (2007). Then my research on the line since 2014 led me to develop an abstract language that underlines architectural elements of the place, or highlights the fictional potential of a space and the perception we have of it.

The square, the circle, the triangle… The triangle, for example, is a shape that often reappears in my compositions. I think that the balance that emerges from it, this form, which can be contained in any other form and vice versa, is also a perfect example of the use of variation in my research. It is a form which on the one hand refers to many symbols and which graphically allows one to easily go from two-dimensional to three-dimensional.

The line. Inspired since 2015 by the writings of anthropologist Tim Ingold, I have explored the spatial possibilities of this simple yet complex element. The line connects, delineates, separates, so many aspects that have nourished my performative work. But the line is also a trace, or the line that retraces and defines a place, its asperities: a cartography. It can also be the border of a building, or the reflection of an element of the architecture of the place. So many elements that have been the starting point for many in situ projects. My “in situ” work approaches the place from the point of view of architecture. I seek to show details or elements present but not visible, which compose it. From there I redraw, transform, move and question our relationship to place. Working on the duality of visible forms (topos) and the sensitive (space), integrating the architectural elements of the place into these installations. There is no rupture, but a tension between the element made visible and the architecture of the place.

Lines, forms, surfaces are all elements that also belong to the history of painting. In this reference to abstraction and phenomenology, colour also has its role to play. Where line and form re-draw space, colour echoes or contrasts the place. It is about creating a particular vibration. For this I choose a spectrum of bold colours, primary colours and their variations. Blue predominates. “Blue is what demands a certain way of looking from me, it is what can be felt by a specific movement of my gaze. It is a certain field or a certain atmosphere offered to the power of my eyes and my whole body.” (Phenomenology of Perception, Maurice Merleau-Ponty, 1945)

Photography and video were my first mediums during my studies at the Beaux-Arts of Nantes. Nourished by a passion for cinema, I realized in 2007 the photographic sequence “Un visible” in homage to Michelangelo Antonioni, which was the beginning of a research where graphic elements and the body are put in dialogue with a place, an architecture, a landscape. I explore the relationship between two elements that are foreign to each other, a tension where fiction begins, letting the landscape emerge to the detriment of the narrative, thus bringing the viewer back to the role of observer. Inviting him to look. They are also experimental fictions, suspended in time, which expects the spectator to imagine the story.
“If the landscape is a scenography or a painting in which our culture expresses itself, we can also think that the landscape is a veil that can hide the world of other cultures from us or, on the contrary, can show us the point of contact between our culture and others. Looking at the landscape then means looking for this frontier and stopping at the threshold of our knowledge: it becomes a way of looking beyond ourselves, of trying to see or glimpse what is behind the painting, behind the scenography, what we have never wanted to know. “(Antonioni. Landscape character, by Sandro Bernardi).
This particularity of giving time to look and this relation to the landscape, visible in his studies, will remain present throughout my artistic research. The landscapes will take the form of abstract spatial compositions, from which will emanate a similar presence. I have also taken up and developed this line of research in my performative work.

My installations-performances are articulated around the practice of instantaneous composition. A composition improvised in the moment, an intuitive method of creation, which emphasizes the composition of images, where forms, matter and the presence of the body are juxtaposed, opposed, respond. In order to create a structure towards which I can orient myself during the performance, I choose to work with the notion of limitation and/or partition. These limitations (of materials, spaces, colours) allow me to move between liberties and constraints. My performative installations propose a visual experience, where temporality plays an important role, intrinsic to the space created in the moment and which invites the spectator to return to the role of observer: I aspire to create a space of experience, a space that invites the spectator to be entirely present, to access a state of being where his visual perception would be amplified.

Elma Riza, Berlin 2020

Elma Riza est une artiste multidisciplinaire franco-tunisienne, performeuse et vidéaste.

Elle est née à Paris en 1986 et vit et travaille à Berlin depuis 2007. Elle a étudié aux Beaux-Arts Supérieurs de Nantes entre 2005 et 2007, puis a poursuivi ses études à la Kunsthochschule Weißensee.
En 2012, elle a obtenu son diplôme avec mention. Depuis, elle a présenté son travail dans des expositions (2021 ReTramp Gallery Berlin, Kunstverein Ebersberg e. V // 2020 galerie weisser elefant Berlin (solo), Galerie Philomena + Vienna // 2019 La Boîte Tunis (solo), Milchhof Pavillon Berlin // 2018 Max Liebermann Haus Berlin, Kunstverein Neukölln // 2017 Kunsthaus Essen, Crows Nest Gallery London. …), des festivals/foires (2019 Performance Art Festival Berlin // 2018 Foire internationale d’Art contemporain de Marseille // 2016 SPACE/TIME Festival Flutgraben Berlin).

Depuis 2014, elle utilise la composition instantanée comme méthode de travail, que ce soit pour ses performances, ses vidéos ou ses installations, avec l’idée d’intégrer le processus créatif dans l’œuvre présentée au public.

Parallèlement à son travail solo, elle a fondé plusieurs groupes de recherche, dont Les actionnaires, un collectif interdisciplinaire d’artistes visuels travaillant avec Instant Composition et la vidéo. Ces espaces de recherche alimentent à la fois son travail personnel et les ateliers qu’elle donne ponctuellement.

Depuis 2020, elle réalise des documentaires sur d’autres artistes et projets artistiques sous le nom de LayLay_IMAGES production.

Ma pratique artistique s’articule autour du désir de créer des images bidimensionnelles ou tridimensionnelles dans lesquelles les notions de lieu (topos) en relation avec l’espace créé (imaginaire) et la présence du corps (du spectateur ou du mien) proposent une approche abstraite et sensible de la fiction. Une fiction de l’espace créé, un paysage fait d’éléments graphiques, de matériaux simples, dans lequel la perception du lieu/objet est transformée. Le mur, le sol, la roche, la forêt, les objets deviennent les supports d’une intervention visuelle qui invite le spectateur à une concentration de ses sens sur le visible et le sensible, créée par la tension entre le concret et l’abstrait.

À la recherche de cette tension, j’utilise depuis 2014 une méthode de travail inspirée de la “composition instantanée”. Cette méthode laisse beaucoup de place à l’expérimentation et comporte une part de risque, car certaines œuvres ne prennent leur forme définitive qu’au moment du vernissage.

À ses fins, j’utilise différents médias tels que la vidéo, la photographie, l’installation-performative ou l’installation “in situ”. J’utilise des matériaux simples, manufacturés ou organiques (ruban adhésif, fil, craie, peinture acrylique, gravier, terre…) et je me limite à un ou deux objets/matériaux par projet, en explorant leurs possibilités graphiques, spatiales et fictionnelles.
Je ne fabrique pas d’objets, mais je compose des images en les assemblant ou en les juxtaposant. J’utilise un langage abstrait qui met l’accent sur les formes et les limites entre le matériau et l’espace, et j’essaie de rendre visible l’invisible. Pour ce faire, je travaille d’une part avec la notion de réduction, la réduction à un matériau, une forme, une couleur, une composition et une thématique, et d’autre part avec la notion de limite.

” La limite n’est pas là où quelque chose s’arrête, mais, comme l’avaient observé les Grecs, celle à partir de laquelle quelque chose commence à être (l’être commence à être…). “
” Œuvre et lieu “, Anne Marie Charbonneaux et Nobert Hillaire, 2002.

La frontière qui définit l’espace ou la relation entre deux éléments, entre l’intérieur et l’extérieur, entre le familier et l’étranger, entre le réel et l’imaginaire.

Dessiner dans l‘espace. Mon intérêt pour la forme géométrique comme élément graphique de mes compositions, s’est d’abord manifesté dans mon intérêt pour l’architecture du Bauhaus et ses dérivés. Ces lignes parfaites, ces formes qui crée des espaces pour le regard, un équilibre tangible m’ont emmené à ma première utilisation d’une forme géométrique en dialogue avec le lieu et le corps dans la séquence “Un visible” (2007). Ensuite ma recherche sur la ligne depuis 2014 m’a amené à développer un langage abstrait qui souligne des éléments architecturaux du lieu, ou met en avant le potentiel fictif d’un espace et de la perception que nous en avons.

Le carré, le cercle, le triangle… Le triangle par exemple est une forme qui réapparait souvent dans mes compositions. Je pense que l’équilibre qui s’en dégage, cette forme, qui peut être contenu dans toutes autre formes et vice et versa, est aussi un exemple parfait de l’utilisation de la variation dans ma recherche. C’est une forme qui d’une part renvoie à de nombreux symboles et qui graphiquement permet de passer facilement du deux dimensionnel au trois dimensionnel.

La ligne. Inspirée depuis 2015 par les écrits de l’anthropologue Tim Ingold, j’ai exploré les possibles d’un point de vue spatiale de cet élément à la fois simple et complexe. La ligne connecte, délimite, sépare, autant d’aspects, qui ont nourrit mon travail performatif. Mais la ligne est aussi une trace, ou le trait qui retrace et défini un lieu, ses aspérités : une cartographie. Elle peut aussi être la bordure d’un bâtiment, ou le reflet d’un élément de l’architecture du lieu. Tant d’éléments qui ont été le point de départ de nombreux projets in situ. Mon travail “in situ” appréhende le lieu en partant de l’architecture. Je cherche à donner à voir des détails ou éléments présents mais non visibles, qui le compose. De là je redessine, transforme, déplace et interroge notre relation au lieu. Travaillant sur la dualité des formes visibles (topos) et du sensible (espace), intégrant les éléments architecturaux du lieu à ces installations. Il n’y a pas de rupture, mais une tension entre l’élément rendu visible et l’architecture du lieu.

Lignes, formes, surfaces autant d’élément qui appartiennent aussi à l’histoire de la peinture. Dans cette référence à l’abstraction et à la phénoménologie, la couleur a aussi son rôle à jouer. Là où la ligne et les formes re-dessinent l’espace, la couleur fait écho ou contraste au lieu. Il est question de créer une vibration particulière. Je choisis pour cela un spectre de couleurs franches, couleurs primaires et leurs variations. Le bleu y prédomine. “Le bleu est ce qui sollicite de moi une certaine façon de regarder, c’est ce qui se laisse palper par un mouvement spécifique de mon regard. C’est un certain champ ou une certaine atmosphère offert à la puissance de mes yeux et de tout mon corps.” (Phénoménologie de la perception, Maurice Merleau-Ponty, 1945)

La photographie et la vidéo ont été mes premiers médiums durant mes études aux Beaux-Arts de Nantes. Nourrie par une passion cinéphile, J’ai réalisé en 2007 la séquence photographique “Un visible” en hommage à Michelangelo Antonioni, ce qui a été le début d’une recherche où éléments graphiques et le corps sont mis en dialogue avec un lieu, une architecture, un paysage. J’y explore la relation entre deux éléments étrangers l’un à l’autre, une tension où commence la fiction, laissant émerger le paysage au détriment du récit, ramenant ainsi le spectateur au rôle d’observateur. L’invitant à regarder.Ce sont par ailleurs des fictions expérimentales, suspendues dans le temps, qui attend du spectateur d’en imaginer l’histoire. 

« Si le paysage est une scénographie ou un tableau dans lequel s’exprime notre culture, nous pouvons aussi penser que le paysage est un voile qui peut nous cacher le monde des autres cultures ou qui peut au contraire nous montrer le point de contact entre notre culture et les autres. Regarder le paysage signifie alors chercher cette frontière et s’arrêter sur le seuil de notre savoir : cela devient une manière de regarder au-delà de soi-même, de chercher à voir ou entrevoir ce qui est derrière le tableau, derrière la scénographie, ce que nous n’avons jamais voulu connaître. » (Antonioni. Personnage paysage, de Sandro Bernardi)

Cette particularité de donner le temps de regarder et cette relation au paysage, visible dans ses travaux d’études, resteront présents tout au long de ma recherche artistique. Les paysages prendront la forme de compositions spatiales abstraites, desquelles émaneront une présence similaire. Cet axe de recherche je l’ai par ailleurs repris et développé dans mon travail performatif.

Mes installations-performatives s‘articulent autour de la pratique de la composition instantanée. Une composition improvisée dans l’instant, une méthode de création intuitive, qui met l’accent sur la composition d’images, où les formes, la matière et la présence du corps se juxtaposent, s’opposent, de répondent. Afin de créer une structure vers laquelle je peux m’orienter durant la performance, je choisis de travailler avec la notion de limitation et/ou de partition. Ces limitations (de matériaux, d’espaces, de couleurs) me permettent de me mouvoir entre libertés et contraintes. Mes installations performatives proposent une expérience visuelle, où la temporalité joue un rôle important, intrinsèque à l’espace créé dans l’instant et qui invite le spectateur à revenir au rôle d’observateur : j’aspire à créer un espace d’expérience, un espace qui invite le spectateur à être entièrement présent, pour accéder à un état d’être où sa perception visuelle serait amplifiée.

Elma Riza, Berlin 2020